明るい日差しとぬるい水、鮮やかな色彩、怠惰な雰囲気の中に生きる神秘的な人々の暮らし。

そんな南国の雰囲気が描かれている、彼の作品群を初めて見たとき、これがフランス生まれの、都会生活に慣れていた人間が描いたものとは思いませんでした。

「タヒチの女（浜辺にて）」1891年 オルセー美術館

都会人が田舎暮らしに興味を持ったと解釈するには軽すぎ、その信仰や文化にののめり込んだと解釈するには重すぎる、この奇妙な遠巻きの目線で描かれた彼の絵は、まるで宗教画のように、彼の夢の中を通してアレンジされたものなのかも知れません。

今回は、そんな彼の生涯をざっと追うと共に、その作品群のエッセンスを探って行きたいと思います。

ポール・ゴーギャンとは

「自画像」1889–1890年 オルセー美術館

ポール・ゴーギャン（1848年-1903）は、フランスのパリ生まれの画家です。

分類は「ポスト印象派」とされていますが、後にブルターニュ地方のポン＝タヴァンと言う村で活動したことから、「ポン＝タヴァン派」の中心人物ともされています。

作品は太い輪郭線と平坦な面を組み合わせた画風（クロワゾニスム）が主で、画面に装飾性を見出そうとした点で共通する「ナビ派」の画家と深い繋がりがあります。

またクロワゾニスムの技法で、人の内面などを主題とする象徴的絵画を描き出す「総合主義」を生み出します。

ゴーギャンの生涯

• パリで生まれ、幼少期をペルーのリマで過ごす。
• 水夫などの仕事を経て、1871年頃からパリの「ペルタン商会」にて株式仲買人として働くようになる。
• 株式仲買人であったが同僚エミール・シュフネッケルの影響で絵を描き始める。
• 1879年の第4回印象派展に参加。
• 1883年に35歳で仕事を辞め、画家の道を選択し妻子と離れ、生活が困窮していく。
• 1880年以降、ブルターニュ地方のポン＝タヴァン村でエミール・ベルナールらと交流しつつ、新しい絵画を模索。
• 1888年にポン＝タヴァンでポール・セリュジエを以下のように指導する。（ナビ派の元となる）

「愛の森のあの隅の手前に立つ木を、君はどう見るかね？緑色？では、緑を、君のパレットから最も美しい緑を取って塗りたまえ―――そしてあの影は？むしろ青い？それならその影を可能な限り最も青くすることを恐れてはいけない」
※「ポン・タヴェン派とナビ派」展カタログ（1987年）より引用

その時セリュジエが描いていたのが下の絵でした。

ポール・セリュジエ「愛の森＜護符（タリスマン）＞」
1888年 オルセー美術館蔵

• 1888年後半にフィンセント・ファン・ゴッホと共同生活を送るが、耳切り事件により2ヶ月で破綻する。
• 1889年に印象主義・総合主義の展覧会開催。
• 1891年にタヒチへ旅立ち、それ以降は精神性の高い、原始的な生命に溢れた独自の絵画を追求した。

ゴーギャンの作品紹介

「ブルターニュの少年の水浴（愛の森の水車小屋の水浴、ポン=タヴァン）」
1886年 ひろしま美術館

ポン=タヴァンに最初に滞在した時の作品。印象派の手法で描かれたもので、この頃のゴーギャンらしい茶色と黄色の置き方が特徴的です。

「アレアレア」1892年 オルセー美術館

ゴーギャンの代表作のひとつで、タヒチで制作された作品。「アレアレア」とは「楽しみ、喜ばしさ、笑い話」と言う意味で、南国の女性たちの神秘的な情緒が描かれています。

楽園のような雰囲気の中でゆったりと座している二人の女性。背景の人物は月の女神ヒナを礼拝する女性たちです。

また、前述したクロワゾニスムの技法+強烈な色彩を用い、人間の内面を表現する象徴的な絵画「総合主義」がはっきりと見受けられます。

「われわれはどこから来たのか われわれは何者か われわれはどこへ行くのか」
1897-1898年 ボストン美術館

タイトルがポエムっぽくて格好いいので、私が気になっていた作品です。

これは病気と貧困で自殺を決意した後、遺作として描き上げた、139.1cm×374.6cmの大作です。（でも自殺は未遂に終わる）左上の文字はタイトルと署名。まるで死後の世界のような印象ですが、以下のような意味だそうです。

画面右側の子供と共に描かれている3人の人物は人生の始まりを、中央の人物たちは成年期をそれぞれ意味し、左側の人物たちは「死を迎えることを甘んじ、諦めている老女」であり、老女の足もとには「奇妙な白い鳥が、言葉がいかに無力なものであるかということを物語っている」とゴーギャン自身が書き残している。背景の青い像は恐らく「超越者 (the Beyond)」として描かれている。
※ウィキペディアより引用

いかがでしたか？

ゴーギャンに限ったことではありませんが、絵のテイストやテーマが変遷していく様子を追っていくのが楽しいところだと思います。

特にゴーギャンの場合は、タヒチに行ってガラリと変わるようなので、その心境の変化を思うと、やはり歴史上の偉人だろうが現代の一般人だろうが、楽しいことや辛いことが多々あって、どうにかして吐き出そうとする行為は、万人似たようなものなんだなぁと思います。

そう思うと、現代でゴーギャンが人気なのも分かる気がしました。

参考文献

「ポン・タヴェン派とナビ派」展カタログ（1987年）

「印象派を超えて-点描の画家たち」図録（2013年）

「モネ、風景をみる眼 19世紀フランス風景画の革新」図録（2013年）

※作品画像はパブリックドメインのものを使用しています。

関連資料

当時私は無職期間中で、あまりに暇なため画塾に通おうとしていて、その時の絵の参考にしようと、何となく観に行った展示がコレでした。

私は元々ゴッホの絵が好きで、ゴッホの派生元である印象派の絵も好きだったので、同じ系統のクラウスの画風に興味を持ったのです。

「野の少女たち」1892年 個人蔵

エミール・クラウスは印象派に大きな影響を受け、光の表現を探求しました。

農村の自然や人々の暮らしを好んで描き、その瑞々しい感性と光り輝くような描写は、素直に「美しい」と感じさせるような魅力に満ちています。

そして先日「最後の印象派展」と言う美術展でもクラウスの作品を観ることができ、テンションが上がったので、今回紹介の記事を書くことにしました。

…で苦労したのが、Web上にも書籍にも、資料が少ないこと少ないこと！日本語版のWikiにすら彼の名前がないのです。

でもとりあえず、以前の展示の図録や資料をかき集め、記事をまとめることにしました。

是非たくさんの人に、クラウスのことを知って頂きたいと思います。

エミール・クラウスとは

エミール・クラウス（1849年-1924年）はベルギー出身の画家です。

ベルギー・フランダース（フランドル）地方のリス川（＝レイエ川）沿いのアトリエで制作活動を行い、写実的な作品を描いていましたが、1889年～1992年にかけての冬にパリに滞在し、フランス印象派から多大な影響を受けます。

それ以降彼の作品は、印象派・分割主義の技法を加えたものとなり、その光の瑞々しい表現は「リュミニスム（光輝主義）」と呼ばれました。

農村風景やそこに暮らす人々を好んで描いており、その内面も描き出すような、愛に溢れた目線がそれらの作品から感じられます。

また「生命と光（ヴィ・エ・リュミエール）」を言う芸術グループを結成し、「太陽の画家」「リス川の画家」として知られるようになりました。

エミール・クラウス作品の紹介

「刈草干し」1896年 個人蔵

私が実物を観たエミール・クラウス作品の中で、一番好きな作品です。130.2cm×97.5cmと大きめで、原画はかなりの迫力があります。

筆の置き方と、黄色い光と青を帯びた影が、印象派の影響を感じさせます。戸外の強い日差しと、労働する人物の表情の対比がとても美しい一枚です。

「レイエ川沿いを歩く田舎の娘」1895年 個人蔵

まるで写真のような奥行きの深さと、逆光で浮かび上がる真ん中の人物のレイアウトが、どこか切ないような、情緒的な雰囲気を醸し出しています。

クラウスの、この土地への愛情の深さが伝わってきますね。

「レイエ川の水飲み場」1897年 姫路市立美術館蔵

のんびりした牛たちが印象的で、原画がとても綺麗な作品でした。

水に映っている太陽の照り返しが印象的です。水の上の影…特に右下の木の影がアクセントになって、バランスを取っています。

「運河沿いの楡の木」1904年 個人蔵

こうして見ていると、クラウスの作品は逆光のものが非常に多いです。

「光輝主義」とは、光あるところ影ありというものなのか…まあ当然ですが、光ばかりあっても明るく見えないので、暗い場所をどう表現するか、それが大事なのかも知れません。

「ウォータールー橋に沈む夕日」1916年

「ウォータールー橋」はイギリスのロンドンにある、テムズ川にかかる橋です。

モネも同じモチーフを描いており、そっちがかなり有名です。モネの橋+霧のボヤっとした作品とは違い、クラウスのそれは色の抑揚が印象的な作品になっています。

補色である黄色と紫、青とオレンジの組み合わせが美しいです。

いかがでしたか？

作品画像を数点紹介しましたが、エミール・クラウスの作品は原画の素晴らしさに尽きます。

と言うのもの、筆の細かい部分と、ざっくばらんな部分とが、一枚の作品の中に共存しており、その抑揚で遠近感や光の加減が表現されているのですが、画像からはそれがサッパリ伝わらないのです。

また、ゴッホやモネほど絵の具を盛ってはいませんが、程々には盛っているので、画像と実物の印象はかなり違います。

もし機会がありましたら是非、原画を観に美術館へ足を運んでみてください。

参考文献

「フランダースの光 ベルギーの美しき村を描いて」図録（2010年）

「もうひとつの輝き 最後の印象派」図録（2015年）

※作品画像はパブリックドメインのものを使用しています。

関連資料

「踊る女たち」 1905年 国立西洋美術館

そのやわらかい感じが大好きで、画集を買おうとしたのも束の間…。

なんと、ドニの画集って殆ど売ってないのです。見つけた！と思ったら、何語かわからない外国の本だったり…。ドニの絵が入っているナビ派の本とかはあるんですけどね。

何ででしょうか、日本ではあんまり人気ない…のかな？国立西洋美術館にだって何点も所蔵品があるのに。

日本人って何故か印象派が好きな人多いです。モネやゴッホが大人気。

それでも何とか、何年も前に開催されたらしい「ドニ展」の図録を手に入れることができました。あとその他参考文献を以って、モーリス・ドニの紹介をしたいと思います。

モーリス・ドニとは

「ル・プリウレ（自宅）前の自画像」 1916年 ウフィツィ美術館

モーリス・ドニ（1870年-1943年）はフランス・ノルマンディー地方出身で、ナビ派と呼ばれる系統の画家です。

「ナビ」とはヘブライ語で「預言者」という意味で、詩人「アンリ・カザリス」が命名しました。時代を導くような新しい絵画の表現を切り開いていくと言う思いが込められています。

ドニの家庭は裕福で、ふたつの画学校に通って絵画を学びました。

この自画像からも、その大らかで余裕のある表情が見てとれます。色使いも暖かでやわらかく、彼の人柄もそんな感じだったのでしょうね。

また、敬虔なカトリック信者で、聖書のお話を題材にした作品を多く残しています。あと海や海岸、泉など水周りの絵も多いです。

以下はドニの有名な言葉で、『新伝統主義の定義』（1890年）という論文にあるものです。

絵画が、軍馬や裸婦や何らかの逸話である以前に、本質的に、ある順序で集められた色彩で覆われた平坦な表面であることを、思い起こすべきである

ドニは絵の画面にある色彩の秩序を追求し、図形や柄とモチーフを一体化させることで、平面的な構成の美しさ・装飾性を得ようとしました。

それはドニの殆どの作品に共通するエッセンスで、これから紹介する絵画からも見ることができます。

「行列（白い花を持つ少女たち）」 1891年
アーサー・G・アールトシュール夫妻蔵

並んでいる少女たちがレリーフのように描かれています。太い主線と面を組み合わせた、奥行きを感じさせない平面構成。まるでアールヌーボーの世界を先取りしたようです。

ドニの絵画・そのエッセンス

こちらは宗教的な題材の絵のひとつ。

「キリストの墓を訪う女たち」 1894年 モーリス・ドニ美術館

手前は「生前イエスに仕えていた女性たち（右）が彼の墓を訪れると、２人の天使（左）が現れてキリストの復活を告げる」という聖書の場面。

奥側は「復活したイエス・キリスト（オレンジ色の人物）が、マグダラのマリア（その左下で跪いている）の前に現れる」場面が描かれています。

手前が影になっていて、奥に陽が射しているところが印象的な絵です。ふたつの場面をひとつの絵にまとめた感性が面白いですね。

ドニの絵って全体的に光が黄色っぽいので、夕方っぽく見えますがこれは朝です。

「セザンヌ礼賛」 1900年 オルセー美術館

セザンヌの絵画と画家「オディロン・ルドン」、彼を囲む若い画家たち（ナビ派の面々）が描かれた作品。

ここは画商「アンブロワーズ・ヴォラール」のお店の中で、描かれている人物の配置はこんな感じです。

左から、

• 画家「オディロン・ルドン」
• 画家「エドゥアール・ヴュイヤール」
• 批評家「アンドレ・メルリオ」
• 画商「アンブロワーズ・ヴォラール」
• 画家「モーリス・ドニ」
• 画家「ポール・セリュジエ」
• 画家「ポール・ランソン」
• 画家「ケル＝クサヴィエ・ルーセル」
• 画家「ピエール・ボナール」
• ドニの妻マルト

となっています。

絵を描く仲間が集って、尊敬するルドンを囲み、会合を開くさまはパーティみたいでなかなか楽しそうです。

「子供の身づくろい」 1899年 個人蔵

こちらはドニの妻マルトと、次女のベルナデットの絵。

装飾的な服の柄や、背景の遠近感を殺した配置も特徴的ですが、やはり家族を描いたものだけあって、穏やかで愛に溢れた画家の目線が感じられる一枚ですね。

好きなドニの絵

「緑の樹のある風景」 1893年 オルセー美術館

ドニの作品の中で、私が一番好きな絵です。

なぜかと言うと難しいのですが、まず線の美しさ（縦線と横線の組み合わせ）と、絶妙な広さの単純な面（緑色の部分）があること。それでいて遠景は複数色で描かれており、その組み合わせを美しいと感じるからだと思います。修道女っぽい人々と天使にも物語性を感じる…。絵本や聖書の挿絵みたいですね。

この作品は「ケルデュールのブナ林」とも呼ばれているそうで、「ケルデュール（kerduel）」とは「アーサー王物語」のアーサー王が住んでいたと言われるお城のことのようです。もしかしたら、ほんとに物語の挿絵のイメージだったのかも？

画家本人もこの絵をとても気に入っていたようで、書斎に終生飾っていたそうですよ！

「葉むらの中の梯子」 1892年 モーリス・ドニ美術館

こちらは画家「アンリ・ルロール」のために描いたとされる天井画。青い空とオレンジ色の影を帯びた女性たちの、補色の組み合わせが美しい一枚です。

奥が青空で、手前が木陰だとすると逆光になるような配置ですが、そうせずに奥と手前の明度を揃えることで、平面的に見えるような工夫がされています。

いかがでしたか？

短い記事ですが、モーリス・ドニの作品の魅力を少しでもご理解頂けたら幸いです。

ドニは絵画史の中で、ピエール・ボナールと並んでナビ派を代表する画家であり、平面的絵画の道を切り開いて邁進した偉大な画家です。

また、やっぱりこの辺りの時代って、おおよそ100年足らずの時間の中で、近代絵画の父セザンヌ、印象派からポスト印象派、ポン・タヴァン派、ナビ派、象徴派と様々なグループが広がり、それらが互いに深く関わっていたことを思うと、留まることを知らない進化があった、すごい時代だったんだなと、感動を覚えてなりません。

参考文献

「モーリス・ドニ展」図録（1981年）

「ポン・タヴェン派とナビ派」展カタログ（1987年）

「印象派を超えて-点描の画家たち」図録（2013年）

※作品画像はパブリックドメインのものを使用しています。

関連書籍

私は子供の頃「ゲゲゲの鬼太郎」が好きだったのですが、ルドンの描く不思議な生き物たちは、まるで愛嬌のある妖怪みたいだなぁと思っていました。

怖さの中に、何故か可愛らしさがある不思議。

そんなこんなで、ある時「ルドン展」を観る機会がありまして、そこで私のルドンのイメージは大きく覆されました。

その展示では晩年の、色鮮やかな作品がたくさん展示されていたのです。

えっ、何この色は！？不気味な目玉は一体どこに行ってしまったのか…、と。

しかしよくよく観ているうちに、鮮やかな絵の中にも、モノクロの絵から引き継がれた要素があることに気づきます。

彼はどのような思いで、このような不思議な絵を描いたのでしょうか？

オディロン・ルドンとは

オディロン・ルドン（1840年-1916年）はフランス・ボルドー出身の「象徴派」に分類される画家です。（象徴派には入らないという意見もある）

年代的には印象派と同じ時期（モネと同い年）ですが、夢や精神を神秘的に描く象徴派は、感覚的な光を追求する印象派とは全く異なったものでした。

ルドンの絵と言えば、まるで美しい悪夢のような、人間の目や首・よく分からない細胞みたいなものが浮遊する世界観のイメージ。

（そう考えると、象徴派にあっさり分類するにはモチーフがシュールすぎておかしな感じもしますね。）

「怖い絵」で紹介されていた作品は＜黒の時代＞と呼ばれる50歳までに描かれたモノクロ作品が多いです。

50歳以降（結婚→息子誕生後）は、まるで人が違ったかのように、急に色彩溢れる絵を描き始めます。

ルドンは親に愛されない寂しい幼少期を過ごしたようですが、幸せを掴んたことで何か心境が変わったのでしょうか？

…でも色鮮やかな時期の絵もどこか仄暗く、暗い過去を引きずっているように感じます。

ルドンの要素・夢の起源

ルドンは20歳の頃、植物学者「アルマン・クラヴォー」と出会います。

クラヴォーは海草について研究していて、生命の神秘や自然科学、顕微鏡の中の世界にルドンは魅了されました。

また彼は読書家でインド哲学や当時流行っていた詩なども教え、その中でも「シャルル・ボードレール」や「エドガー・アラン・ポー」はルドン作品の中でもリスペクトされています。

ルドンの絵には浮遊する細胞のような物体、虫や植物が度々登場しますが、これらはクラヴォーの影響によるところが大きいと思われます。

また24歳の頃、銅版画家「ロドルフ・ブレダン」にエッチングの指導を受けます。

ブレダンは＜死＞をモチーフにしたダークな幻想風景をよく描いており、まるで小説の挿絵のようなそれは見るものを幻想の世界に誘います。

暗い幼少期を送ったルドンは、その怪奇な作風を見て甚く感動し、憧れたのではないでしょうか。

ルドンの作品は、孤独な幼少期に培った想像力、上の2人から学んだこと、そしてどこか退廃的な時代の雰囲気が大きく影響していそうです。

＜黒の時代＞と版画たち

28歳の頃、画家「アンリ・ファンタン＝ラトゥール」から石版画（リトグラフ）の指導を受け、転写紙を使う方法を学びます。

それは直接石版に描くやり方とは違い、仕上がる絵が反転することを気にしなくてよいもので、ルドンはこの方法を好んで石版画を制作していました。

画集は合計12種類あります。

• 1879年、最初の石版画集『夢のなかで』を発行。
• 1882年、石版画集『エドガー･ポーに』を発行。
• 1883年、石版画集『起源』を発行。
• 1885年、石版画集『ゴヤ讃』を発行。
• 1886年、石版画集『夜』を発行。
• 1888年、石版画集『聖アントワーヌの誘惑第一集』を発行。
• 1889年、石版画集『聖アントワーヌの誘惑第二集』を発行。
• 1890年、版画集『悪の華』を発行。
• 1891年、石版画集『夢想（わが友アルマン・クラヴォーの思い出のために）』を発行。
• 1896年、石版画集『聖アントワーヌの誘惑第三集』を発行。

評価が一番高い画集は、それまでの珠玉の作品を集めた最初の石版画集『夢のなかで』のようです。発行も完全予約制の25部限定で、なかなかに少ないです。

『悪の華』はフランス近代詩の父と呼ばれ、フランスでもっとも有名な詩人のひとり「シャルル・ボードレール」の詩集『悪の華』を挿絵化したものです。

＜色彩の時代＞の絵画たち

色彩時代のルドンは、油彩・紙にパステルなどの画材を好んで使用していました。

モチーフは神話や宗教などに関連するものが多くなり、室内装飾の仕事をした関係で、美しい花を生けた花瓶などの絵も描くようになります。

好きなルドンの絵

「キュクロプス」（サイクロプス）とはギリシア神話に出てくる鍛冶技術を持った単眼の巨人。

この絵は不恰好であどけない瞳の巨人が、海神ネレウスの娘ガラティアに恋をする、神話の場面です。

画面手前はガラティア・花々が配置されて鮮やかですが、画面奥にいくに従ってどんどん暗雲が立ち込めていくようで、これから起こる悲劇を物語っています。

「ベアトリーチェ」とはダンテの「神曲」に出てくる女性で、愛を象徴する存在として神聖化された「永遠の淑女」。

朝焼けの光に溶け込むように描かれた、神秘的な雰囲気の絵です。青とオレンジの補色の組み合わせが、いっそう肌部分を輝かせています。ふんわりとした雰囲気はパステル独特のものですね。

ルドンは「横顔」を好んで描いていたようですが、正面の風貌が分からない「横顔」は観る者の想像力を高め、物語を空想させます。

いかがでしたか？

私がルドンに惹かれる理由は、おそらくその絵に暗示された物語性です。

特に黒の時代は、あまりそれらについての文献がないので（あんまり意味はなく、その時のイマジネーションを描いていたとの解説が多い）難しいのですが、やっぱり観ているといろいろ想像してしまいます。

暗いのに何処かユーモラス、時に中二病で夢見がち。

こういう絵を描く人って、暗いようで実は頭の中は明るいんじゃないかなぁ、と思う今日この頃です。

参考文献

「オディロン・ルドン展」図録（1989年）

「オディロン・ルドン-夢の起源-」図録（2013年）

※作品画像はパブリックドメインのものを使用しています。

関連書籍

もともとイラストや漫画のようなものは描いていましたが、キャンバスに油絵の具やアクリル絵の具で描きつけることなど、それまで殆ど興味を持っていませんでした。

ところがどうでしょう。

たまたま美術館に行き、たまたま肉筆の絵、その燃え上がるように鮮やかな色彩を観たとき、本当に驚きました。

実物と写真ってこんなに違うんだ。

まるで生きている、星が、光が、動いている…ように見えたその絵は、フィンセント・ファン・ゴッホの「ローヌ川の星月夜」と言う作品でした。

それからゴッホに興味を持った私は、ゴッホの画集を収集し、伝記を読み、あるいは作品の模写をし、ゴッホのことを考察しました。

そして彼がどういう思いで絵を描いていたか何となく察したとき、不遇の人生を送ったこの偉大な画家が、実はか弱いごく普通の人間であり、私たちと何ら変わりないことを知りました。

芸術鑑賞は、予備知識があったほうが絶対楽しめると思っています。美術館でウワサの実物を観たときの感動はひとしおです。

ゴッホは今でこそ知らない人がいないほど有名で人気のある画家ですが、もし「よくわからない」と言う方がいましたら是非、参考にして頂けましたら幸いです。

また、多くの学者が彼について研究していますので諸説あるところもあり、あくまでも私が賛同する内容のものを選んで書いていますので、ご了承ください。

フィンセント・ファン・ゴッホとは

フィンセント・ファン・ゴッホ（1853年-1890年）はオランダ出身で、「ポスト印象派」と呼ばれる分類の画家です。

日本でもその人気は高く、度々企画展が開催され、約53億円で落札された「ひまわり」は今も新宿の「東郷青児記念 損保ジャパン日本興亜美術館」で観ることができます。

ところが…

「不遇の人生」と前述しましたが、生きているうちに売れた絵は「赤いぶどう畑」の一枚だけでした。画家として評価されることはなく、病気と貧困・苦悩に彩られた彼の人生は、たった37年で幕を閉じます。

どういうことかと要約しますと、彼は大変気難しく、女性問題で情緒不安定になり、たびたび癇癪を起こすため友人は少なく、仕事は長続きせず職を転々とし、売れない絵を描き続け、家族からの送金をあてにして生活し、傷害事件を起こして精神病院に強制入院、挙句の果てに銃で自殺してしまうのです。

彼の画家人生は、20代後半に「画家になる」と決めたあとの、たったの10年の間でした。

人々はそんな彼の絵に、何故、惹きつけられるのでしょうか？

人生の情熱のすべてを絵に叩きつけ、魂を削り、多くの犠牲を払って生み出された、約2,000点の作品たち。

まるで炎のようにゆらゆらと揺れる筆跡と色彩は、ゴッホの魂そのものであり、その激しい作風はたびたび「炎の画家」「情熱の画家」と呼ばれる所以となります。

そしてそれ故に死んでいった、おそらくそういう生き方しかできなかった彼に、人々は憧れ、共感し、その絵の中の魂を見出したいと思うのではないでしょうか。

ゴッホの生涯

※かなり抜粋しております。

誕生

ゴッホはオランダの南の端、ベルギーとの国境沿いにある村「ズンデルト」で生まれました。

両親である牧師夫婦は、前年に生まれてすぐ死んでしまった長男の「フィンセント」＝「勝利者」と言う意味を持つ同じ名を、迷わず彼に付けたと言います。

ゴッホ家は代々武将や外交官、成功した画商などを排出した名門の家柄でした。

職を転々とする

16歳の時、伯父の世話で「グーピル商会」と言う画商で働くようになります。

その後実力を認められて支店からパリ本店に転勤しますが、下宿先の女の子「アーシュラ」（ウージェニとかウルスラとかどの文献も違う名前で書かれててどれが正しいのか不明）に求婚したもののこっぴどく振られてしまい、その影響か情緒不安定に。

22歳の頃、画商の仕事を放棄して帰郷。その後、教師→書店勤務を経たのち牧師を目指し、神学大学に入学するため勉強を始めるも挫折。

とりあえず他の養成学校に入って牧師の仮資格を取りますが、常軌を逸した伝道活動をしたため（持ち物を全部貧しい人に与えてしまい自分が死にかけるとか）解雇されてしまいます。

画家として

27歳の頃から画家を目指すようになり、仲の良かった弟「テオ」からの仕送りを受けるようになります。

そして実家に戻り、今度はそこに滞在していた未亡人の従姉妹「ケー」に求婚、拒絶されます。この時に、ランプの中に手を突っ込んで「手を入れてる間だけでいいから彼女に会わせて」とケーの両親を脅迫する事件が発生。

それを知ったゴッホの父牧師は激怒し（キリスト教ではいとこ同士の結婚ご法度）、もともと不仲だった父との確執が広がってしまいます。

33歳の時、パリで画商をしていたテオの家に下宿し、絵を学ぶようになります。

この頃にたくさんの自画像を描いています…これまではテオと文通を頻繁にしていましたが、その必要がなくなったため、代わりに自画像を描くようになったと言われています。

そして画家の「ポール・ゴーギャン」や「エミール・ベルナール」らと知り合い交流し、印象派の絵画や、当時流行していた日本の浮世絵の影響を受け、暗かったゴッホの絵は次第に明るい色彩を帯びていきます。

死に至る病

35歳の時、無彩色の街パリを離れ、色彩に憧れてフランス南部の「アルル」と言う街に引っ越します。

黄色の外壁・目の覚めるような青色の内壁がある通称「黄色い家」を借り、壁には黄色いひまわりの絵を飾ったそうです。

その後、呼ばれて来た友人ポール・ゴーギャンと共同生活を始めますが、やがて二人は意見の相違から衝突するようになります。

ある日ゴッホは発作を起こし、ゴーギャンを刃物で切り付けた後、自分の耳も切り落としてしまいます…これが有名な耳切事件です。

フランス南部、プロヴァンスにある精神病院「サン＝レミ」に入ったゴッホは、院内でも制作を続けます。その頃に描いた作品が代表作「糸杉」「星月夜」です。

37歳の時、サン＝レミを退院し、都会の喧騒を嫌ってフランス北部にある「オーヴェル」と言う田舎町に引っ越します。

相変わらず制作を続けていた彼ですが、1890年7月29日、自殺を図りそのまま死去。

病気の発作がたびたびあったようですが、はっきりとした病名は分かりません。（統合失調症、メニエール病など諸説あり）

ちなみに弟のテオも、その半年後に精神を病んで死去しました。

好きなゴッホの作品

私の好きなゴッホの絵は、大体アルルからサン＝レミ時代の、黄色い色味の強い鮮やかな色彩のものです。

印象派の絵画からは補色と光の置き方、浮世絵から線の流れと大胆さなど…それぞれ良いところを取り入れて、ゴッホの絵は独自の進化を遂げました。

これも有名な絵のひとつ。アルルの「フォルム広場」（古代ローマ時代の公共広場跡）がモデルです。

カフェの暖かな黄色い光が、路地の地面までも照らしています。その反面、空は青く白い星の光がゆらゆらと浮かび、路地の向こう側は暗く沈んでいくようです。

黄色い空に太陽、オレンジの麦穂、影の青と薄紫…補色を上手く配置し、とても鮮やかな色彩に見せる工夫がされた一枚です。

ゴッホは画家を目指す前から、バルビゾン派の画家「ジャン＝フランソワ・ミレー」に憧れていて、美術館に通って作品を鑑賞したり、模写をしたりしていました。

「種まく人」は農民生活を好んで描いたミレー作品に出てくるモチーフで、農民や麦畑はゴッホにとっても主題のひとつでした。

サン＝レミでの作品。もうパっと見で「苦痛」が感じられる一枚です。

小麦畑と山・空・月を覆う、うねる線。動き回る世界に眩暈すら覚えます。

ゴッホは「人間とは刈り取られる小麦みたいなもの」と述べていたようですが、この積み上げられた麦束は、まるで墓標のようです。

いかがでしたか？

ゴッホとその絵について、好きなところをまとめることができて、私は満足できました。

あまり興味なかった方でもこの記事をきっかけにして、少しでも楽しんで絵を見て貰えるようになったら、とても嬉しく思います。

参考文献

アーヴィング・ストーン（1990年）「炎の人ゴッホ 」中公文庫

ラミューズ編集部（1995年）「炎の画家:ゴッホ」講談社文庫

嘉門安雄（1997年）「ゴッホの生涯」学陽書房

「ゴッホ展」図録（1985年）

「オランダ　クレラー＝ミュラー美術館所蔵　ゴッホ展」図録（1995-1996年）

「クレラー＝ミュラー美術館所蔵　ゴッホ展」図録（1999-2000年）

「フィンセント＆テオ　ゴッホ展」図録（2002年）

「ゴッホ展-孤高の画家の原風景」図録（2005年）

「印象派を超えて-点描の画家たち」図録（2013年）

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